أخبار

فيليب ويلسون ستير

فيليب ويلسون ستير


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

ولد فيليب ويلسون ستير ، الأصغر من بين ثلاثة أطفال (شقيق واحد ، هنري ، أخت واحدة ، كاثرين) لفيليب ستير (1810-1871) وزوجته إيما هاريسون (1816-1898) ، في بيركينهيد في 28 ديسمبر 1860. كان والده فنانًا رسم مناظر طبيعية وصورًا بأسلوب جوشوا رينولدز.

تلقى ستير تعليمه في مدرسة كاتدرائية هيرفورد. في عام 1878 التحق بمدرسة غلوستر للفنون في عام 1881 وقضى العام التالي في مدارس الرسم التابعة لقسم العلوم والفنون في جنوب كنسينغتون.

في عام 1882 أمضى ستير وقتًا في أكاديمية جوليان حيث تعرف على فريدريك براون. ووفقًا لما ذكره كاتب سيرته الذاتية ، يسان هولت: "ظل في باريس آمنًا ضمن دائرة من الطلاب الإنجليز والأمريكيين ولم يكن على دراية بالتطورات الحديثة في الفن الفرنسي. وبعد إدخال امتحان اللغة الفرنسية في المدرسة ، عاد إلى إنجلترا الصيف القادم." استحوذ Steer على استوديو في Manresa Road ، تشيلسي ، وقضى الصيف في Walberswick في سوفولك.

كان Steer أحد مؤسسي New English Art Club في عام 1886 ، وهو مجموعة من الفنانين البريطانيين الذين شعروا أن عملهم قد تم تجاهله من قبل الأكاديمية الملكية. وضع صديقه ، فريدريك براون ، الدستور ، وجلس في جميع اللجان وهيئات المحلفين ، وشجع طلابه في سليد على العرض هناك. شارك حوالي الخمسينيات من القرن الماضي في المعرض الافتتاحي الذي أقيم في معرض مارلبورو في أبريل 1886. وكان من بين العارضين الأوائل جورج كلاوسن وجون سينجر سارجنت وكولين جيل ووالتر سيكرت وجيمس ويسلر. عرضت ستير بنات الجري ، والبيرسويك (1886) أمسية صيف (1887) و عظام المفصل (1889).

في عام 1892 خلف فريدريك براون ألفونس ليجروس في منصب أستاذ الفنون الجميلة في مدرسة سليد للفنون. وفقًا لآن بيملوت بيكر: "استمرارًا في التدريس والنظرة الليبرالية لبوينتر وليجروس ، قام (براون) ببناء مدرسة الرسم ، وحاول تطوير شخصية تلاميذه ، مع تشجيعهم على دراسة النموذج عن طريق التحليل التحليلي. بدلاً من أسلوب تقليد لفن الرسم ، العودة إلى أساليب الماجستير مثل إنجرس. لقد اجتذب طاقم تدريس قويًا ، وأسس مبدأ أن جميع المعلمين يجب أن يكونوا فنانين ممارسين ". عين براون ستير للموظفين.

الطلاب الذين درسوا في جامعة براون هم أوغسطس جون ، وجوين جون ، وويليام أوربن ، وبول ناش ، وويندهام لويس ، ودورا كارينجتون ، وإديث كريج ، ودوروثي بريت ، ومارك جيرتلر ، وكريستوفر نيفينسون ، وستانلي سبنسر ، وجون س.كوري ، وماكسويل جوردون لايتفوت ، وإدوارد وادزورث ، أدريان ألينسون ، رودولف إيلي ، سبنسر جور ، جاكوب إبستين ، ديفيد بومبيرج ، ميشيل سالامان ، إدنا وو ، هربرت بارنارد إيفريت ، ألبرت روثنشتاين ، أمبروز ماكيفوي ، أورسولا تيرويت ، إيدا نيتلشيب وجوين سالموند.

خلال الحرب العالمية الأولى ، أنشأت الحكومة مكتب الدعاية الحربية. في أوائل عام 1918 قررت الحكومة أن شخصية حكومية رفيعة يجب أن تتولى مسؤولية الدعاية. في الرابع من مارس ، كان اللورد بيفربروك ، صاحب متجر التعبير اليومي، تولى وزير الإعلام. تحت قيادته كان تشارلز ماسترمان (مدير المطبوعات) وجون بوكان (مدير الاستخبارات). اللورد نورثكليف ، صاحب كليهما الأوقات و ال بريد يومي، تم تكليفه بجميع الدعاية الموجهة إلى الدول المعادية. روبرت دونالد ، محرر جريدة ديلي كرونيكلمدير الدعاية في الدول المحايدة. عند الإعلان في فبراير 1918 ، اتُهم ديفيد لويد جورج في مجلس العموم باستخدام هذا النظام الجديد للسيطرة على جميع الشخصيات البارزة في شارع فليت.

قرر Beaverbrook زيادة عدد الفنانين بسرعة في فرنسا. أسس مع أرنولد بينيت لجنة تذكارية للحرب البريطانية (BWMC). تم إعطاء الفنان الذي تم اختياره لهذا البرنامج تعليمات مختلفة عن تلك التي تم إرسالها مسبقًا. أخبرهم بيفربروك أن الصور "لم تعد تُعتبر بشكل أساسي كمساهمة في الدعاية ، بل أصبح يُنظر إليها الآن بشكل أساسي كسجل".

من بين الفنانين الذين تم إرسالهم إلى الخارج بموجب برنامج BWMC ستير وجون سينجر سارجنت وأوغسطس جون وجون ناش وهنري لامب وهنري تونكس وأوستن عثمان سبير وإريك كينينجتون وويليام أوربن وبول ناش وسي آر دبليو نيفينسون وكولين جيل وويليام روبرتس وويندهام لويس وستانلي سبنسر وفيليب ويلسون ستير وجورج كلاوسن وبرنارد مينينسكي وتشارلز بيرز وسيدني كارلين وديفيد بومبرج وجيلبرت ليدوارد وتشارلز جاغر. كانت لوحاته الأكثر شعبية في BWMC كاسحات الألغام في دوفر (1918).

أشارت كاتبة سيرة Steer ، Ysanne Holt ، إلى: "خلال عشرينيات القرن الماضي ، جرب ستير بشكل متزايد الألوان المائية ، وهي تقنية زودته بمسار للخروج من خاصية Impasto الثقيلة لزيوته. هذه الألوان المائية ، انطباعية بالمعنى الدقيق للكلمة ، تعكس جزئيًا الأعمال اللاحقة لـ Turner ، ولكنها تشير أيضًا إلى العودة إلى Monet وإلى نهج Whistlerian - التعامل طفيف ، والأشكال والأشياء مقترحة ، وتم التخلص من جميع التفاصيل غير الضرورية. بالنسبة للرسام نفسه ، كانت عمليات الرسم بالألوان المائية رائعة ورائعة أفضل الأمثلة التي اعتبرها مجرد حظ ، والتي إما أن تؤتي ثمارها أو لا تؤتي ثمارها ".

في عام 1930 ، تقاعد ستير وصديقه العظيم هنري تونكس من مدرسة سليد للفنون. واصل رسم المناظر الطبيعية والمناظر المائية حتى عام 1938 عندما أصبح بصره سيئًا للغاية. وعلق قائلاً إنه "رسم ما يكفي ورسم الكثير من الناس الكثير من الصور".

توفي فيليب ويلسون ستير في منزله بسبب التهاب الشعب الهوائية في 21 مارس 1942.


ما وراء الانطباعيين الفرنسيين: 16 بريطانيا ، تيرنر ، ستير

فيليب ويلسون ستير ، Summer at Cowes (1888) ، زيت على قماش ، 50.9 × 61.2 سم ، معرض مانشستر للفنون. WikiArt.

مقارنة بمعظم الدول الأوروبية الأخرى ، مرت الانطباعية إلى حد كبير بالرسامين البريطانيين.

هذا أمر مثير للدهشة نظرًا لشعبية وتأثير جون كونستابل وجيه دبليو إم تيرنر في وقت سابق من القرن التاسع عشر ، ووجود رسامين أمريكيين بامتياز وشعبية كبيرين في لندن: جون سينجر سارجنت (في لندن 1886-1925) وجيمس أبوت ماكنيل ويسلر (في لندن 1859-92). ومع ذلك ، في منتصف القرن التاسع عشر في بريطانيا ، كان رسامو جماعة الإخوان المسلمين ما قبل الرفائيلية هم المهيمنون ، وأبرزت حركة الفنون والحرف ويليام موريس & # 8217s الفنون الزخرفية بعد ذلك.

هناك موضوعان مهمان يجب علي مراعاتهما هنا ، على الرغم من:

  • التأثير الذي ربما كان لتورنر باعتباره & # 8216 ما قبل الانطباعية & # 8217 على الانطباعيين الفرنسيين ،
  • عدد قليل من الرسامين البريطانيين الذين ذهبوا إلى فرنسا في أواخر القرن التاسع عشر وشكلوا حركة انطباعية بريطانية صغيرة.

جوزيف مالورد وليم تورنر (1775-1851)

وُلد تورنر في لندن عام 1775 ، وتلقى تعليمه في مدارس الأكاديمية الملكية من سن 14 عامًا ، وحقق نجاحًا نقديًا مبكرًا. من عام 1802 قام بجولة في أوروبا ، ورسم المناظر أثناء ذهابه. في سنواته الأخيرة ، أصبح عمله راديكاليًا بشكل متزايد ، وأصبح منتقدوه أعلى صوتًا. توفي عام 1851.

تم تقديم تفاصيل كاملة عن السيرة الذاتية في مقالتي السابقة في سلسلة اللوحات المفضلة.

جوزيف مالورد ويليام تورنر ، كامبو سانتو ، البندقية (1842) ، زيت على قماش ، 62.2 × 92.7 سم ، متحف توليدو للفنون ، توليدو. WikiArt.

مقارنةً بالأسلوب الانطباعي ، فإن لوحات Turner & # 8217s المتأخرة لها بعض أوجه التشابه & # 8211 تركيزها على الضوء واللون ، والتقاط انطباع & # 8211 ولكن بعض الاختلافات المهمة ، لا سيما أن فرشاته ظلت ضيقة للغاية عند رسم التفاصيل. يتجلى ذلك جيدًا في لوحة البندقية أعلاه ، التي اكتملت في العقد الأخير من حياته.

كان من الممكن أن يكون كونستابل وتورنر مهمين في التأثير على أولئك الانطباعيين الفرنسيين ، ولا سيما كلود مونيه ، الذين فروا إلى لندن خلال الحرب الفرنسية البروسية في عام 1870. ومع ذلك ، فإن الدليل في عمل مونيه هو أن أسلوبه الانطباعي الناضج كان بالفعل تطورت بحلول عام 1870. أدناه للمقارنة لوحاته ورينوار & # 8217 الشهيرة من La Grenouillère في عام 1869 (بقي رينوار في فرنسا طوال الحرب بالطبع).

كلود مونيه ، Bathers at La Grenouillère (1869) ، زيت على قماش ، 73 × 92 سم ، المعرض الوطني ، لندن. WikiArt. بيير أوغست رينوار ، غرينويلير (1869) ، زيت على قماش ، 66.5 × 81 سم ، المتحف الوطني ، ستوكهولم. WikiArt.

لذا في حين أن تيرنر على وجه الخصوص قد يكون قد أثر على مونيه وبيسارو ودوبيني ، لا أعتقد أن الدليل يدعم عمل تيرنر & # 8217 الذي له أي دور مهم في تطوير الانطباعيين الفرنسيين.

فيليب ويلسون ستير (1860-1942)

ولد في عام 1860 في بيركينهيد ، ليفربول ، وهو ابن رسام للمناظر الطبيعية والصورة قليل التمييز ، ودرس في كلية غلوستر للفنون من 1878 إلى 1880 ، ولفترة وجيزة في مدارس الرسم بجنوب كينسينغتون حتى عام 1881. بعد عدم قبوله في في مدارس الأكاديمية الملكية ، ذهب إلى باريس إلى أكاديمية جوليان ، حيث درس لأول مرة تحت إشراف بوجيرو. ثم انتقل إلى مدرسة الفنون الجميلة كطالب في كابانيل.

عاد إلى لندن في عام 1884 ، ورسم مناظر شاطئية وساحلية في كاوز (جزيرة وايت) ، وولبيرسويك (سوفولك) ، وإتابلس (كاليه ، شمال فرنسا) في محاولة متعمدة للأسلوب الانطباعي. خلال ثمانينيات القرن التاسع عشر ، حضر معارض مختلفة للوحات الانطباعية الفرنسية ، وبحلول عام 1888 كان الانطباعي الرائد في المملكة المتحدة. في عام 1886 ساعد في تشكيل جمعية الرسامين الأنجلو-فرنسيين ، والتي أصبحت نادي الفن الإنجليزي الجديد.

فيليب ويلسون ستير ، تجديف للأطفال ، Étaples (1887) ، زيت على قماش ، 36.8 × 54.6 سم ، مجموعة خاصة. WikiArt. فيليب ويلسون ستير ، صورة للآنسة روز بيتيجرو (1887) ، زيت على لوح ، 21 × 27 سم ، الموقع غير معروف. WikiArt.

في عام 1888 ، كان Steer مع Bates و Sidney Starr و Walter Sickert و Theodore Roussel رواد الحداثيين الانطباعيين في الفن البريطاني. في العام التالي ، شكل Steer و Paul Maitland و Thomson و James مجموعة منشقة من London Impressionists ، والتي عُرضت في Goupil Gallery في نهاية ذلك العام.

فيليب ويلسون ستير ، Summer at Cowes (1888) ، زيت على قماش ، 50.9 × 61.2 سم ، معرض مانشستر للفنون. WikiArt. فيليب ويلسون ستير ، The Beach at Walberswick (حوالي 1889) ، زيت على خشب ، 60.3 × 76.1 سم ، معرض تيت ، لندن. WikiArt.

عرض خمسة أعمال في معرض ليه XX في بروكسل عام 1889 ، تضمّن بعضها مناطق تستخدم تقنية التقسيم لنقاط الألوان الزاهية ، لكن لم يكن أي منها مقسمًا بالكامل. من عام 1893 ، بينما ظلت أعماله غير مباعة إلى حد كبير ، بدأ بتدريس الرسم في مدرسة سليد للفنون الجميلة بلندن ، جنبًا إلى جنب مع هنري تونكس ، وزيارة المواقع التي اشتهرت في أعمال تيرنر ورقم 8217 ، والطلاء هناك. كانت مؤثراته المهيمنة هي تيرنر وكونستابل.

فيليب ويلسون ستير ، الكوبية (1901) ، زيت على قماش ، 85.4 × 112.4 سم ، متحف فيتزويليام ، كامبريدج. WikiArt.

من عام 1896 قام بمزيد من الصور ، والتي من الواضح أنه تأثر بالروكوكو. ثم بعد عام 1902 ركز على الرسم بالألوان المائية وعاد إلى المناظر الطبيعية. في عام 1929 كان لديه معرض استعادي كبير في معرض تيت ، لندن. توفي في عام 1942 ، وفي العام التالي تم إحياء ذكرى من خلال معرض في المعرض الوطني ، لندن.

على الرغم من نسيانها إلى حد كبير اليوم ، إلا أن لوحات Steer & # 8217s السابقة تأثرت بشدة بالانطباعيين ، بل وغامروا بالانقسام في بعض الأحيان. ومع ذلك ، فقد تغير أسلوبه مرارًا وتكرارًا ، ولم يظهر هو ولا الرسامون البريطانيون الآخرون في ذلك الوقت أي تطور أكثر استدامة للأسلوب الانطباعي.

آخرون ، بما في ذلك Sidney Starr و Paul Maitland ، أصبحوا الآن غامضين إلى حد كبير ، وحتى Walter Sickert معروف الآن أكثر بعراة من التجارب السابقة مع الانطباعية.

جي إم دبليو تيرنر:
قاعدة بيانات Tate Turner تحتوي على أكثر من 40000 عنصر مفهرس
ويكيبيديا
WikiArt

Blayney Brown D، Concannon A and Smiles S eds (2014) معرض EY: Late Turner & # 8211 مجموعة لوحات مجانية ، تيت للنشر. ISBN 978 1 84976 145 1. (حسابات شاملة ولكن يمكن الوصول إليها ورسوم توضيحية كبيرة الحجم للعديد من أعماله الرئيسية ، من المعرض.)

معرض EY: Late Turner & # 8211 مجموعة لوحات مجانية هو في دي يونغ ، سان فرانسيسكو ، بين 20 يونيو و 20 سبتمبر 2015. للأسف يفتقر إلى العديد من الأعمال الأفضل التي تم تضمينها في عرض تيت بريطانيا الذي انتهى في 25 يناير 2015 ، ولكن لا يزال يتعين عدم تفويتها.

السيد تيرنر (2014) ، سيرة ذاتية من إخراج مايك لي ، مراجعة الفيلم: السيد تيرنر (2014).

مونرو جي (1986) فيليب ويلسون ستير 1860-1942. اللوحات والألوان المائية ، مجلس الفنون لبريطانيا العظمى. ISBN 0 7287 0484 6. (يبدو أن الكتالوج الصغير ، الذي نفد منذ فترة طويلة من الطباعة ، هو الكتابات الوحيدة المتوفرة عنه والمتاحة بسهولة في السوق المستعملة. نسخ ألوان محدودة.)
روبينز إيه جي (2007) حداثة هشة. ويسلر وأتباعه الانطباعيون ، ييل أب. ISBN 978 0300 13545 9. (سرد ممتاز لويسلر وسيكرت والحركة الانطباعية البريطانية ، مع رسوم توضيحية للعديد من الأعمال التي يصعب العثور عليها.)


فيليب ويلسون ستير - التاريخ

لقد فتن العري الفنانين والمشاهدين على حد سواء لعدة قرون - حتى اليوم لا يزال موضوعًا يثير الجدل والجدل. يعتبر جسم الإنسان العاري من أعظم مواضيع الفن. لقد ظهر في كل حركة فنية رئيسية تقريبًا من التكعيبية إلى التعبيرية التجريدية إلى الفن السياسي في الآونة الأخيرة. لماذا يستمر العري في إبهارنا؟ هذا هو السؤال الذي طرحه معرض جديد ، Nude ، في معرض الفنون في نيو ساوث ويلز في سيدني ، والذي افتتح في وقت سابق من هذا الشهر. إنه يجمع 100 صورة للعراة من مجموعة تيت ، بما في ذلك اللوحات والمنحوتات والصور والمطبوعات من أواخر القرن الثامن عشر وحتى يومنا هذا.

وليام سترانج ، الإغراء (1899)

(الائتمان: Tate / Art Gallery of New South Wales)

"العاري يسحرنا لسبب بسيط للغاية وعميق للغاية وهو أنه فن عنا. قال أمين المعرض جاستن باتون لبي بي سي كالتشر: "المعرض عبارة عن رحلة عبر العديد من المشاعر الإنسانية والحالات العاطفية المختلفة ، وهذا بالنسبة لي هو الأكثر إقناعًا حول موضوع العري".

يعيدنا عمل ويليام سترانج في أواخر القرن التاسع عشر The Temptation إلى إحدى القصص الرئيسية عن العري في الثقافة الغربية - القصة من كتاب التكوين التي أدرك فيها آدم وحواء أجسادهما العارية. يوضح باتون: "من هذا المنطلق ، يأتي العري الحديث ومخاوفنا وإثارتنا بشأن ما يكمن تحت الملابس ، وهما الدافعان الرئيسيان اللذان دفعا العاري طوال تاريخه".

السير جون إيفريت ميلي ، الفارس الضال (1870)

(الائتمان: Tate / Art Gallery of New South Wales)

عندما نفكر في العراة ، قد يحمل الكثير منا في أذهاننا صورة كلاسيكية للأجساد البطولية المنحوتة التي هيمنت على فن القرن التاسع عشر ، ولكن كما يشير باتون ، "العري هو في الواقع شكل دائم التغير ومتنازع عليه إلى ما لا نهاية ". من نواحٍ عديدة ، تختلف الصور المعاصرة للجسد العاري اختلافًا كبيرًا عن الأعمال الفيكتورية ، ولكن هناك أيضًا أوجه تشابه قوية.

"النقاشات حول الصدق والمثالية من العصر الفيكتوري يتردد صداها حتى عصرنا ، والذي أعتقد أنه يشبه الفترة الفيكتورية بطرق مذهلة للغاية ، لا سيما عندما تنظر إلى الطريقة التي تتم بها مناقشة قضايا العري والجسد في الثقافة بشكل عام ، " هو يقول. حتى اليوم يوجد هذا المزيج المذهل من الحصافة والتساهل. لقد اعتدنا على رؤية الملايين من الصور لشكل الإنسان العاري ، ولكن في الوقت نفسه ، لا يزال العمل الفني العاري الفردي في المعرض مثيرًا للجدل بشكل غير عادي في بعض الأحيان ". في الآونة الأخيرة فقط في أستراليا ، أجبر ناشرها إحدى المجلات الفنية على إخفاء حلمتي لوحة عارية كانت قد اختارتها لغلافها.

يعتبر The Knight الضال مثالاً على ما يشير إليه العلماء بـ "العري الإنجليزي" ، والذي أثار الجدل في أواخر القرن التاسع عشر لأن موضوعات هذه الأعمال كانت تعتبر نابضة بالحياة للغاية. "لقد خانت أصولها ، حيث من الواضح أن رسامًا وقف أمام جسد أنثوي حقيقي حي ، ولم يخفي هذه الحقيقة بشكل كافٍ."

فيليب ويلسون ستير ، جالس عارية: القبعة السوداء (c1900)

(الائتمان: Tate / Art Gallery of New South Wales)

هل يمكن للعراة أن تكون نابضة بالحياة للغاية؟ يمكن تقدير عراة الشخصيات الكلاسيكية مثل Psyche و Venus كفن بحت ، دون الحاجة إلى التفكير في الإنسان الحي والمتنفس الذي جلس أمام الفنان. تم إبراز هذا الانزعاج من الأشخاص العاديين المعروفين كموضوع للصور العارية فقط في القرن العشرين مع دخول العراة إلى الفضاء المحلي ، مع ظهور لوحات للجثث في غرف النوم أو الاستوديوهات الداخلية. تُعد صورة فيليب ويلسون ستير من مطلع القرن مثالًا رائعًا على كيف يمكن لتفصيل صغير واحد أن يجعل عملًا مثيرًا للجدل. عندما زار جون روثنشتاين Steer في عام 1941 واختار اللوحة لمجموعة Tate ، أخبره Steer أنه اختار عدم عرض اللوحة خلال حياته ، حيث شعر أصدقاؤه بأنها غير لائقة. تقول باتون: "السبب الذي شعروا به على هذا النحو ليس لأن المرأة كانت عارية ، ولكن لأنها كانت عارية وترتدي قبعة". "كان يُنظر إلى هذا على أنه يبرز بطريقة ما العُري بطريقة لم تكن تبدو تمامًا." كانت القبعة البسيطة ، التي شوهدت على العديد من النساء في ذلك الوقت ، كافية لإخراج اللوحة من عالم المثل الأعلى إلى عالم الإيروتيكية.

أوغست رودين ، القبلة (1901-04)

(الائتمان: Tate / Art Gallery of New South Wales)

إنها واحدة من أشهر صور الحب الرومانسي ، وهي نقطة جذب للمعرض في سيدني - بعد أن سافرت إلى ما وراء أوروبا لأول مرة. يقول باتون: "القبلة هي لحظة خاصة وحميمة جدًا بين شخصين ، وما هو عبقري في عمل رودين هو عدد المرات التي يتم فيها إخفاء القبلة عنا فعليًا بواسطة أطراف أو جذوع هذه الشخصيات". يوضح رودين العلاقة الجسدية والعاطفية القوية بين هذين العاشقين بعدة طرق: تموج عضلات ظهورهما ، والطريقة التي تتدلى بها أرجلهما فوق الأخرى ، وأيديهما. إن أيدي الزوجين هي التي يعتقد باتون أنها تستحق الاهتمام. "تبدو أيديهم كبيرة بالنسبة لحجم أجسادهم. عندما نكون في حالة حب وعندما نحتضن هذا الشخص ، تزداد حاسة اللمس لدينا ، "يشرح. "رودين يراقب هذه الأحاسيس من خلال لفت انتباهنا إلى أيدي هذه الشخصيات."

بابلو بيكاسو ، امرأة عارية على كرسي أحمر (1932)

(الائتمان: خلافة بيكاسو / تيت / معرض الفنون نيو ساوث ويلز)

إن قوة العناق بين عشيقين هي أيضًا محور تركيز بيكاسو للمراة العارية في كرسي أحمر (Femme nue dans un fauteuil rouge) من عام 1932 - على الرغم من أنه قد لا يكون واضحًا على الفور للعين غير المدربة. في حين أن اللوحة تبدو في البداية وكأنها لسيدة وحيدة ، ماري تيريز والتر ، إحدى أفكار الفنان العديدة ، فإن نظرة فاحصة تجعلك تدرك أن شخصين يسكنان هذا العمل. تجادل باتون: "يوجد في وجهها ظل لوجه رجل ، يبدو أنه يضغط للحصول على قبلة من اليمين". "يبدو أن الذراع الموجودة على الجانب الأيمن من الشكل تنفصل بشكل غريب عن جذع المرأة وتنضم إلى ظهر الكرسي ، الذي يبدأ في القراءة على أنه جذع شخصية ذكورية تعانقها". إنه يراها كمثال يوضح كيف يشعر المرء أن الشخص يستهلكه تمامًا ، لدرجة أنه يصبح من المستحيل التمييز بين بداية شخص وآخر ينتهي. "إنه تعبير رائع عن شعورك عندما تكون في حالة حب بعمق ، لدرجة أنك تلتحم في لحظة العناق."

سيلفيا سلاي ، بول روزانو متكئ (1974)

(الائتمان: Tate / Art Gallery of New South Wales)

مع ظهور الحركة النسائية ، قلبت الفنانات طاولات التقاليد في العقود الأخيرة من القرن العشرين ، ورسمن الموضوعات الذكورية كموضوع للنظرة الأنثوية. جاءت هذه اللوحة في نفس العام الذي تضمنت فيه المجلة الأسترالية كليو أول مركز ذكر لها على الإطلاق ، وهي تمثل تحولًا أكبر في العري بشكل عام. تقول بانتون: "كانت سيلفيا سلاي صريحة في قولها إنها تريد رسم رجال مثيرين لإلقاء نظرة على النساء ، لكن اللوحة لا تشوبها شائبة". "إنه رقيق ودافئ ، ويعكس حقيقة أن سيلفيا عرفت هذا الرجل": الموسيقار بول روزانو ، الذي وقف في أكثر من مناسبة لـ Sligh. ويضيف: "يتجلى حبها تجاهه واستمتاعها بمظهره خاصة في شعر الجسم ، الذي يجعله يضر بالسكتة الدماغية".

فتيات حرب العصابات ، هل يجب على النساء أن يكن عاريات للدخول إلى متحف ميت؟ (1989)

(الائتمان: Guerrilla Girls / Art Gallery of New South Wales)

كما جلب وصول الحركة الفنية النسائية معها الاحتجاج عاريًا. نظر هؤلاء الفنانون الجدد إلى العراة بعيون جديدة ، وتساءلوا عن كل ما حدث من قبل. هذه القطعة الاحتجاجية من Guerrilla Girls - التي تأخذ واحدة من أشهر العراة في تاريخ الفن وتحولها إلى منتقم نسوي مقنع - تأتي من لحظة محورية في تاريخ العراة ، تستدعي نقص الفنانات في نيويورك متحف متروبوليتان للفنون بالمدينة مقارنة بثروة عُري الإناث المعروضة إنها صورة تمتعت بالعديد من الأرواح منذ ظهورها لأول مرة على جانب حافلة المدينة - حيث أحدثت أمواجًا بشكل غير مفاجئ. يقول باتون: "تمت إزالة الصورة قريبًا من الحافلة وتم إنهاء عقد الإيجار الذي أبرمته فتيات حرب العصابات لأنه اعتبر استفزازيًا للغاية".

لقد كان حكمًا يثير الغضب والرضا في آن واحد. لم تركز غالبية الشكاوى على الجسد الأنثوي العاري ، ولكن على المروحة الوردية التي حملها الشكل ، والتي قامت فتيات العصابات بتعديلها بحيث أصبحت قضيبيًا بشكل لا لبس فيه. لقد أثبتت هذه النقطة التي شرعت المجموعة في توضيحها: الجمهور مرتاح لكشف أجساد النساء ، لكن الشيء نفسه لا ينطبق على شكل الذكور. يقول باتون: "يمكن القول إنه العاري الأكثر تأثيرًا الذي تم إنشاؤه في العقود الأخيرة".

لوسيان فرويد ، Standing by the Rags (1988-89)

(الائتمان: ملكية لوسيان فرويد / تيت / معرض الفنون في نيو ساوث ويلز)

يقول باتون: "فرويد هو أحد أعظم رسامي العراة في السنوات الأخيرة ، وأعتقد أنه من المهم أيضًا أنه أحد أفضل رسامي العراة". هل هناك حقا فرق بين العاري والعاري؟ وفقا لمؤرخ الفن ، كينيث كلارك ، هناك. قال إنه في حين أن العاري هو جسد مثالي يبدو أنه مريح للظهور عاريًا ، فإن العاري هو جسد مكشوف وحُرم من الملابس. يعرض المعرض أمثلة على كليهما ، لكن باتون يعتقد أن عمل فرويد يكمن بقوة في المعسكر العاري. يقول: "لقد أطلق على العديد من لوحاته صورًا عارية ، وهناك شعور بأنه يسمح لنا بمعرفة أن اللوحة تخبرنا بحقيقة أولية عما يعنيه أن يكون المرء إنسانًا وأن يكون له جسد".

أصر فرويد دائمًا على وجود نموذج حي أمامه ، وتجربة الجلوس من أجله تظهر بوضوح في Standing by the Rags ، وهو مثال رائع على أسلوبه المتأخر. يشرح قائلاً: "يمكنك الحصول على إحساس غير عادي بالتحديات المتمثلة في كونك أحد موضوعات فرويد ، لأن النموذج يتم طرحه بطريقة تشير إلى حالة من النوم والهجران ، ولكن أيضًا الضغط الجسدي الحاد". يتضح هذا بشكل خاص في الحجم الكبير لقدميها وأسفل ساقيها ، والتي يبدو أنها تدعم وزنها. في حين أن هذا العمل هو بالتأكيد مثال على العراة ، فإنه يستحضر أيضًا عراة الماضي. يقول باتون: "الطريقة التي خرجت بها ذراعها تذكرني ببعض الأوضاع المعقدة تمامًا التي سيشغلها العراة في القرن التاسع عشر ، حيث قد يتم تمثيلهم في دور البطل الشهير". "بطل فرويد هو جزء كبير من عالمنا ، لكنها لا تزال تحمل أصداء هؤلاء الفنانين الأكبر سنًا."

لويز بورجوا ، زوجان (2009)

(الائتمان: مؤسسة إيستون / تيت / معرض الفنون في نيو ساوث ويلز)

كتبت الناقد لوسي ليبارد ذات مرة أن لويز بورجوا تصور الجثث من الداخل. تضيف باتون: "بغض النظر عن المواد التي تستخدمها ، فإن عملها دائمًا ما يعطي إحساسًا تحت الجلد". "إنه يعيد إلى الوطن ما نحن عليه من كائنات ضعيفة وهشة ، بينما ينقل أيضًا الحيوية والقيادة المذهلة للحيوان البشري." هذا العمل في الغواش والقلم الرصاص على الورق يقلل من جسم الإنسان إلى أبسط أشكاله ، مع ومضات من اللون الأزرق تركز على الأعضاء التناسلية. وفقًا لباتون ، فإن المظهر الرقيق والمخفف للطلاء الوردي يستحضر أيضًا "سوائل الحياة المتطايرة ... إنه يوحي بدم الحياة وحليب الأم وحتى السائل الأمنيوسي" ، على حد قوله. في لعبة Couple ، يبدو الأمر كما لو أننا ننظر من خلال الجلد إلى القصة الداخلية حول ما يجعل الجسم ينمو وينجو - لا تحصل على أكثر من ذلك بكثير.

رون مويك ، وايلد مان (2005)

(الائتمان: Tate / NPG Scotalnd / Marcus Leith / Art Gallery of New South Wales)

كلما كان العاري أكثر واقعية ، يبدو أنه أكثر إثارة للجدل. أعمال رون مويك الأخيرة واقعية بشكل مخيف ، وغالبًا ما تترك المراقب يشعر بعدم الارتياح دون أن يكون قادرًا على توضيح السبب. يقول باتون: "إحدى نتائج كون التمثال نابضًا بالحياة هو أن الناس يصرخون بصوت مسموع عندما يروه لأول مرة". إنه ليس إلهًا أو محاربًا - ليس لديه حجة أدبية للاختباء وراءه. إنه مجرد رجل في حالة انكشاف كامل ". يعمل Wild Man فقط على إظهار مدى عدم ارتياحنا للشكل العاري ، خاصةً عندما لا يمكننا فصل أنفسنا عن الموضوع المعروض. يقترح أمين المعرض: "في النهاية ، هذا هو تمثال حول كيف تشعر عند النظر إليه".

الفنانون الذين يعملون مع العراة اليوم حريصون على تذكيرنا بأن النظر إلى الأجساد هو دائمًا عمل مشحون وشخصي للغاية. من نواح كثيرة ، فإن مجتمعنا غير حساس تجاه الأجساد العارية. نراهم في كل مكان ، لكنهم غالبًا ما يختبئون وراء شيء ما - شخصية يلعبونها ، أو عطر يبيعونه ، أو سبب يناصرونه من خلال تعريض أنفسهم. ولكن في عمل مثل Mueck ، لا يوجد شيء يختبئ وراءه. إنه الإنسان في أبهى صوره ، وأنه شيء قد لا نتعود على رؤيته أبدًا. كما يشير باتون بحق: "العري ليس شيئًا واحدًا - إنه سؤال وليس إجابة ، وهذا السؤال يتردد صداها في عصرنا".

إذا كنت ترغب في التعليق على هذه القصة أو أي شيء آخر شاهدته على BBC Culture ، فتوجه إلى موقعنا موقع التواصل الاجتماعي الفيسبوك صفحة أو راسلنا على تويتر.


لوحة التاريخ

تم تقديم مصطلح رسم التاريخ في القرن السابع عشر لوصف اللوحات ذات الموضوعات المستمدة من التاريخ الكلاسيكي والأساطير ، والكتاب المقدس & ndash في القرن الثامن عشر تم استخدامه أيضًا للإشارة إلى المزيد من الموضوعات التاريخية الحديثة

تم تقديم مصطلح & lsquohistory painting & rsquo من قبل الأكاديمية الملكية الفرنسية في القرن السابع عشر. كان يُنظر إليه على أنه أهم نوع (أو & lsquogenre & rsquo) ، للرسم فوق البورتريه ، وتصوير مشاهد من الحياة اليومية (تسمى الرسم النوعي) ، والمناظر الطبيعية ورسم الحياة الساكنة. (انظر صفحة المسرد لمعرفة الأنواع لمعرفة المزيد).

على الرغم من استخدامها في البداية لوصف اللوحات ذات الموضوعات المستمدة من التاريخ اليوناني والروماني القديم (الكلاسيكي) ، إلا أن الأساطير الكلاسيكية ، والكتاب المقدس في نهاية القرن الثامن عشر ، تضمنت لوحة التاريخ موضوعات تاريخية حديثة مثل مشاهد المعارك التي رسمها الفنانون بنيامين ويست وجون. سينجلتون كوبلي.

كان الأسلوب الذي يعتبر مناسبًا للاستخدام في رسم التاريخ كلاسيكيًا ومثاليًا وندش معروفًا باسم & lsquogrand style & rsquo & ndash وكانت النتيجة معروفة بشكل عام باسم High Art.

دور الإمبراطورية في رسم التاريخ

خلال النصف الأول من القرن التاسع عشر ، كانت لوحة التاريخ واحدة من الطرق القليلة التي يمكن للجمهور البريطاني من خلالها تجربة إمبراطوريته في الخارج. في هذا السياق ، أصبح رسم التاريخ شكلاً من أشكال التوثيق. أصبح فنانون مثل بنجامين ويست وهنري نيلسون أو & رسقوونيل أكثر اهتمامًا برسم مشاهد من التاريخ الحديث والمعاصر ، حيث يصورون أشخاصًا يرتدون ملابس حديثة بدلاً من الملابس & lsquotimeless & rsquo كما رأينا في رسم التاريخ التقليدي.

شهدت خمسينيات القرن التاسع عشر تحولًا في الاهتمام نحو المزيد من الموضوعات الإنسانية والحميمية بدلاً من تقديم موضوعات أدبية أو تاريخية عظيمة. تلقت مشاهد المعارك من النوع الفرعي العسكري للرسم التاريخي انتقادات لأنه لا يمكن الاعتماد عليها لتكون دقيقة ، وتم عرض عدد قليل من لوحات مشهد المعركة في الأكاديمية الملكية. فيليب ويلسون ستير و rsquos ماذا عن الحرب؟ ومع ذلك ، تم عرضه هناك ، مما يشير إلى أن ردود الفعل الخاصة للمدنيين ربما كانت شهادة أكثر صدقًا على الخسائر في الأرواح الناجمة عن الصراع في الخارج (في هذه الحالة حرب السودان عام 1881).

كان دور رسم التاريخ هو الانهيار أكثر في القرن العشرين ، حيث اختفى بالكامل تقريبًا من الأوساط الفنية بعد تفكك الإمبراطورية بعد الحرب العالمية الثانية.

هل يحتوي هذا النص على معلومات أو لغة غير دقيقة تعتقد أنه يجب علينا تحسينها أو تغييرها؟ نود أن نسمع منك.


فيليب ويلسون ستير

كان والد فيليب ويلسون ستيرز رسامًا. ولكن كانت مدبرة المنزل مارجريت جونز ، المسماة "جين" ، فيما بعد السيدة راينز ، هي التي قدمت لفيليب علبة من الألوان المائية كهدية ، مما أشعل شغفه بالفن.

في عام 1922 ، أقام فيليب ويلسون ستير نصبًا تذكاريًا رائعًا لسيدة الرسام عندما عرض صورتها في الأكاديمية الملكية. كانت المرأة الويلزية الشابة ، التي كانت وقت ولادة الفنانة ، قد دخلت خدمة عائلة ستير كممرضة أطفال ، وتزوجت لاحقًا ، وسرعان ما ترملت ثم عادت إلى خدمة Steer كطاهية ، وهي تبلغ من العمر 83 عامًا في هذه المرحلة. اليوم ، صورة السيدة العجوز بالأسود ، مع غطاء محرك السيارة الأبيض ، يديها الثقيلتان المستريحتان منتفختان من العمل ، ونظرتها المستقيمة المفتوحة في معرض Tate Gallery في لندن تحت عنوان السيدة راينز.

ولد ستير عام 1860 في بيركينهيد ، ودرس الرسم والرسم مع جون كيمب في مدرسة غلوستر للفنون منذ حوالي 18 عامًا. رفضته الأكاديمية ، فذهب بدلاً من ذلك إلى باريس في وقت مبكر من عام 1882 ، حيث درس أولاً في الأكاديمية جوليان وما بعده ، من عام 1883 ، في مدرسة الفنون الجميلة تحت كابانيل. كان أول عمل معروض لـ Steer عبارة عن صورة للسيد بيك ، صهر جون كيمب. من المحتمل أن تكون اللوحة قد رُسمت في غلوستر عام 1881. نرى قارئ صحيفة ذا لحية بيضاء يبدو أنه يتصفح عنوان مقال لمواكبة الأحداث الجارية: ماذا عن الحرب؟ يجب أن تكون الحرب التي يشير إليها عنوان لوحة ستير هي حرب السودان ، التي بدأت في عام 1881 بعد تمرد المهدي واستمرت لمدة عشر سنوات ، حتى أصبحت بريطانيا العظمى أيضًا منخرطة بشكل متزايد في الصراع ، ومنذ عام 1896 ، اتخذت إجراءً عسكريًا. ضد المهديين. في النصف الأول من القرن التاسع عشر ، كان هذا النوع من اللوحات التاريخية أحد الطرق القليلة التي يمكن للجمهور البريطاني من خلالها تجربة إمبراطوريته في الخارج. في هذا السياق ، كانت لوحة تاريخ فيليب ويلسون ستيرز أيضًا شكلاً من أشكال التوثيق.

في عام 1927 فقد ستير بصره في عين واحدة ، لكنه استمر في الرسم ، في الغالب بالألوان المائية ولم يعد بالزيت. وهكذا أصبحت مؤلفاته أخف وزنا وأكثر تجريدية. إنه الإنجليزي الذي يستحق الفضل في الجمع بين أسلوب الانطباعية الفرنسية وتقليد الرسم من قبل ويلسون أو جينسبورو أو تيرنر أو كونستابل. The first impulse for this came from his stays in Paris, where Steer had the opportunity to see exhibitions of Monet, Pissarro and Renoir during the years 1882 to 1883.

Steer never married. Apart from a few hours spent on a daily walk, a game of chess or talking to friends, he painted incessantly. He read little and detested writing. He was a keen observer and critic, but always modest and full of sympathy for the efforts of other artists. From 1940 he had to give up painting altogether. He died in London on March 18, 1942. © Meisterdrucke


التاريخ الإداري / السيرة الذاتية

Born in Birkenhead, 1860 moved to Whitchurch near Ross-on-Wye, 1864 educated at home by a governess preparatory school at Whitchurch, 1871-1875 Hereford Cathedral School, 1875-1877 Gloucester School of Art Acadmie Julian in Paris, 1882 Ecole des Beaux-Arts, 1883 pictures hung at the Royal Academy, 1883-1885 returned to England and worked on a series of paintings beginning at Walberswick, Suffolk supporter and constant exhibitor at the New English Art Club taught at the Slade School of Fine Art [1895]-1930 began to work increasingly with water-colours from about 1900 honorary member of the Liverpool Academy of Arts, 1906 Order of Merit, 1931 died in Chelsea, 1931 his work is found, amongst others, in the British Museum, the Tate Gallery, the Uffizi Gallery, Florence, the Metropolitan Museum, New York, the Municipal Gallery of Modern Art, Dublin, the Welsh National Museum, Cardiff.


Phillip Wilson Steer

The influential English painter and critic, Roger Fry (1866–1934), called Philip Wilson Steer one of the “most gifted and purest of English artists.” Born in Birkenhead, England, in 1860, Steer’s early interest in painting was encouraged by his father, the English portrait painter Philip Steer. After being rejected by the Royal Academy in 1882, Steer traveled to Paris to study at the Académie Julian under William-Adolphe Bouguereau and at the École des Beaux-Arts under Alexandre Cabanel. Upon failing a French language exam, he returned to England in 1884, set up a studio in London, and took the first of what would become regular summer painting trips. His early work, such as Girl at a Well, was done in the tradition of “rustic naturalism,” a painting style that depicted the daily life of the rural poor as its subject matter. Before long, though, Steer began making luminous paintings of Walberswick on the Suffolk coast that showed the influence of Édouard Manet, James McNeill Whister, and the French Impressionists.

These paintings earned him recognition as one of Britain’s leading Impressionists, though critics wrote excoriating reviews of the work, and few of the pieces sold. Steer considered abandoning painting altogether. Instead, around 1895, he began making radically different paintings in a more traditional English style. His landscapes and figures from this period both showcase his remarkable skill and harken back to the style of an earlier era, especially next to his Impressionist works, employing as they do conventions used by painters such as John Constable and Antoine Watteau.

Around 1927, when Steer was 67, he experienced the first symptoms of macular degeneration when, as his biographer Ysanne Holt describes, “vision from the center of his left eye was obscured and objects could only be made out from one side.” He had used both watercolors and oils for most of his career, but, upon the decline of his vision, began using watercolors almost exclusively to create landscape paintings that, though radically different from his luminous early works, rival them in mysteriously capturing some ephemeral sense of the elemental. Around 1935, after years of gradual decline, his right eye also succumbed. He continued to paint seascapes using watercolor until 1938. Time has singled out these last paintings, as well as the early paintings he did at Walberswick, as his best work.

Steer served as a painting tutor at the Slade School of Art from 1893 to 1930, where he influenced generations of young artists. He was the subject of the first retrospective of a living artist at the Tate Gallery in 1929, and was awarded the Order of Merit in 1931.


Philip Wilson Steer - History

The history of development in Birkenhead is very much that of a Victorian ‘new town’, developing hugely during the years of the 19th century. The oldest buildings in the town date back to 1150. They include Birkenhead Priory, a Benedictine monastery, which survived until 1536 when King Henry VIII began the closure of all monasteries throughout England and Wales. The Priory is now popular as sister site to the Williamson Art Gallery and Museum.

Once the monastery had closed the land was farmed by a series of Lords of the Manor, who also had the rights to operate the ferry. There was, however, no more than a sparse scattering of houses in Birkenhead. The growth of Liverpool to one of England’s major ports mostly took place during the 18th century. Once the first steam ferry ran across the Mersey in 1817, it became easier for Liverpool merchants to travel over the river to Liverpool’s centre than by road from the outskirts of the town. Thus the growth of Birkenhead began.

Birkenhead Flourishes

At first hotels and large houses developed, but the potential of Birkenhead as an industrial centre was seen by Scottish engineer William Laird who bought land and in 1824 opened a boiler works which later became a ship yard. Now the town grew rapidly, and it became a visionary and exciting place to be:

Arthur James Wetherall Burgess, “HMS ‘Birkenhead'”

“London is a modern Babylon Paris has aped imperial Rome, and may share its catastrophe. But what do the sages say to DAMASCUS?…it still exists and still flourishes is full of life, wealth and enjoyment. Here is a city that has quaffed the magical elixir and secured the philosopher’s stone, that is always young and always rich. As yet, the disciples of progress have not been able exactly to match this instance of Damascus, but it is said that they have great faith in the future of BIRKENHEAD.” (Tancred, Benjamin Disraeli)

In 1847 Birkenhead Park opened as the first purpose-built public park in the world in 1860, Birkenhead introduced the first public tramway in Europe. The docks expanded and, in partnership with Liverpool, traded across the globe. And Laird’s shipbuilders (later Cammell Laird) became one of the most important ship yards in the world, building for private, commercial and naval clients.

The Idea Emerges

It was in this atmosphere of enterprise that the intellectuals of the town felt a museum and art gallery was important for the prestige of Birkenhead. History was already being preserved: in the 1890’s the ruins of Birkenhead Priory were bought by public subscription, fully restored and presented to the Borough Council.

The first building for a museum and art gallery came available in 1909 with the opening of a new Public Library, funded by Andrew Carnegie, the Scottish philanthropist. With the old library now vacant, the Birkenhead Art Club, which had many rich and influential members – many of them town councillors – brought pressure to bear. The old library was converted in 1912, and a collection began to be formed. The Mayor of Birkenhead, A.W. Willmer, from the family that owned the town’s principal newspaper the Birkenhead News, devoted his £500 mayor’s salary to the purchase of paintings for the new art gallery and many of the ‘great and good’ gave items from their own collections.

Some significant paintings had already been presented to the town for exhibition in the magnificent Town Hall in Hamilton Square. These included ت. Cooper’s huge vision of the Battle of Waterloo, painted in 1847, and the one-time Royal Academy president C.L. Eastlake’s Brutus exhorting the Romans to revenge the death of Lucretia, painted early in his career in 1813 and severely neo-classical. Both of these were given to the town by John Williamson, a Scottish-born Birkenhead resident who made his considerable wealth from shipping, insurance and trade with South America, and as a director of the Cunard shipping line.

The Williamson's Beginnings and Collection

Opened in 1928 the Williamson Art Gallery & Museum – named after its benefactors – is a single-storey, unobtrusive classical building, mainly in red brick with Corinthian columns and pilasters. It is not in the town centre, in a grand square or even a park, but is in the residential suburb of Oxton. This made it convenient for its intended middle-class audience and, in fact, places it geographically in Birkenhead’s centre.

Unassuming the building may be, but it offers a great deal of room in its 14 galleries. It was designed without windows to maximise display space (with discrete top lighting with blinds) and – almost unique for its date – a system of humidifying the galleries to protect the works of art. The building was intended primarily as an Art Gallery, with the hope that money would become available at a later date to extend and provide the Museum display space, which of course never happened.

The collection that was moved in to the new gallery had developed considerably since its inception. There was in Liverpool and around an important group of Pre-Raphaelite artists, heavily collected by local patrons who gave generously to both the Walker Art Gallery in Liverpool and the Williamson.

Philip Wilson Steer, ‘Self Portrait’, 1880

Birkenhead has never purchased a great many works by artists of real national or international significance, unless they have strong local connections, except in the field of watercolours. This was particularly influenced by Dr S.H. Nazeby Harrington, Deputy Chairman of the Libraries, Museum & Arts Committee of Birkenhead Borough Council, who collected and wrote about art himself. Particularly in the 1920’s and 1930’s a huge number of British watercolours was purchased, in an effort to make the collection as comprehensive as possible. Efforts were always made to cast the net as wide as possible, to be inclusive rather than exclusive, to show the range and variety of work produced in the medium. This includes some truly outstanding examples.

Less well represented is the 20th century, as the curators at that time did not feel confident in purchasing modern work. However many exhibitions of contemporary art have always been held in the galleries.

The first watercolour in the gallery collection is Henry Meynell Rheam’s Green and Blue, number 7 in the accession register, and is one of the pictures purchased out of the Birkenhead Mayor’s annuity. Rheam was an artist who had left Birkenhead to establish himself in Cornwall, then one of the most fashionable centres for British artists, but he evidently retained his reputation in his home town.

As had Philip Wilson Steer. A major oil painting was bought from Wilson Steer at this time, followed by two other paintings during his life and a very significant group from his studio sale and after. The Williamson now owns 48 paintings by Wilson Steer, by no means the largest group by a single artist but certainly unparalleled for an artist of such significance. Each phase of the artist’s work, including the oil sketch for his تصوير شخصي in the Uffizi Gallery, Florence, is represented. Less well represented his French and Impressionist work, which in his lifetime was considered by many to be an aberration and not his finest work. However subsequent art historians and collectors have disagreed and it is on those few paintings, rather than the bulk of his work in all its variety, that he is today hailed as significant.

Many of the Steer paintings were acquired with the aid of the charity, the National Arts- Collections Fund, and were the gift of various members of the artist’s family. In addition, the Contemporary Arts Society was a considerable benefactor to the Birkenhead collection, presenting the Stanley Spencer تصوير شخصي and a wide range of other works of art and craft.

The Modern-Day Williamson

Collecting today is a rather different affair. The Curators do not now have the influence of the same kind of interested private collectors sitting on committees, who had both the personal wealth and privileged contacts to aid both the gallery’s and the collection’s development. The Williamson’s collection does however continue to extend each year, concentrating on its strengths in artists with local connections. The tier of artists that maintains a high local or regional profile, but just misses the major national and international scene, is an excellent barometer of artistic style. Artists who have been prominent on Merseyside – many of whom have been students or teachers in Liverpool or Birkenhead – are well represented. Very many of these painted extensively in North Wales, often retiring to live there, and the area’s links with galleries and artists in Wales are just as strong today. The Fine Art collection now represents these artists well, with a much smaller selection of work by the really famous names putting the majority into an art-historical context.

The collection is not purely one of Fine Art, of course. The development of the museums in Birkenhead came at a time when a generation of wealthy collectors, the merchants and professional people who had helped create the town, were dying off. Such was their civic pride that many made donations to the museum. As a result, the collection in many areas grew in a haphazard way. Oriental ceramics, West African woodcarvings, Irish glass and Cretan antiquities all figure in the collections. More important are the developments connected directly to the Merseyside area. Local ceramics include the Knowles Boney collection of Liverpool Porcelain, from the second half of the 18th century, and Della Robbia Pottery, a fascinating Arts & Crafts enterprise that operated in Birkenhead from 1893 to 1906.

Most importantly, the maritime gallery opened in 1963, which brought models, pictures and artefacts from shipping lines with offices in Liverpool together with an equivalent collection drawn from Cammell Laird and items from the history of the Mersey Ferries.

This local aspect is vitally important to the success of the Williamson in its modern role within the community. When the Metropolitan Borough of Wirral was formed in 1974, the Williamson ceased to be purely for Birkenhead and instead become the focus of artistic activity for the entire borough. The gallery’s role developed as a concert and meeting venue, which it maintains today, and the extremely active exhibition programme is the envy of many larger galleries.

Whilst most visitors are from Wirral, the reputation of the gallery is such that regular visitors come from Cheshire, North Wales and Liverpool.


Philip Wilson Steer

Philip Wilson Steer OM (28 December 1860 – 18 March 1942) was a British painter of landscapes, seascapes plus portraits and figure studies. He was also an influential art teacher. His sea and landscape paintings made him a leading figure in the Impressionist movement in Britain but in time he turned to a more traditional English style, clearly influenced by both John Constable and J. M. W. Turner, and spent more time painting in the countryside rather than on the coast. As a painting tutor at the Slade School of Art for many years he influenced generations of young artists.

Steer was born in Birkenhead, in Merseyside, near Liverpool, the son of a portrait painter and art teacher, Philip Steer (1810–1871) and his wife, Emma Harrison (1816-1898). When Steer was three years old the family moved to Whitchurch near Monmouth from where, after a period of home schooling, he attended the Hereford Cathedral School. After finding the examinations of the British Civil Service too demanding, he became an artist in 1878. He studied at the Gloucester School of Art and then from 1880 to 1881 at the South Kensington Drawing Schools. He was rejected by the Royal Academy of Art, and so studied in Paris between 1882 and 1884, firstly at the Académie Julian, and then in the École des Beaux Arts under Alexandre Cabanel, where he became a follower of the Impressionist school. In Paris he was greatly influenced by seeing works by Edouard Manet and James McNeill Whistler and the French impressionists. [source]


شاهد الفيديو: Philip Pullman: A story will help us make sense of anything (قد 2022).


تعليقات:

  1. Fera

    محاولة عدم التعذيب.

  2. Chas Chunk A

    أحسنت ، هذه الفكرة الممتازة صحيحة تمامًا.

  3. Finbar

    في رأيي فأنتم مخطئون. يمكنني إثبات ذلك. اكتب لي في PM.

  4. Shakamuro

    أنا أعتبر، أنك لست على حق. أقترح ذلك لمناقشة. اكتب لي في PM.

  5. Agiefan

    لك العلم.

  6. Fausar

    الله واحد يعرف!

  7. Leof

    هذا غير مرجح.



اكتب رسالة